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À l’aube de la discipline de la conservation et de la restauration au Portugal : la restauration de la sculpture monumentale entre la fin du XIXe et les débuts du XXe siècle

Giulia Rossi Vairo, Instituto de Estudos Medievais, NOVA FCSH Centro de Investigação em Estudos em Belas-Artes, FBAUL

La création de la Real Academia de Belas-Artes au Portugal en 1836 suit d’à peine deux ans la promulgation du décret de suppression des ordres religieux dans le royaume. La mesure législative, en plus de dissoudre les couvents masculins et d’interdire aux couvents féminins d’accepter de nouvelles recrues, renvoyant leur fermeture définitive à l’extinction naturelle des communautés religieuses, ordonne de procéder à la sécularisation des biens ecclésiastiques. La première préoccupation de l’Academia, fondée dans l’intention de « promouvoir la civilisation générale des Portugais, de diffuser le goût du beau », fut de rassembler et de conserver dans des entrepôts spéciaux les œuvres provenant des institutions religieuses, pour procéder ensuite à leur distribution et relocalisation dans des collections publiques étatiques.

Une fois mis en sûreté le patrimoine artistique mobilier, l’attention des membres de l’Academia, des chercheurs et de l’opinion publique se concentra sur la sauvegarde du patrimoine architectural. Dans cette optique, quelques année plus tard, une action déterminante fut accomplie par la Real Associação dos Architectos civis e Archeólogos Portuguezes (1863), qui réunissait des académiciens, archéologues, architectes et ingénieurs, mais aussi des artistes, écrivains, bibliophiles, employés de l’administration, techniciens, médecins, hommes d’affaires et membres de la Comissão dos Monumentos Nacionais (une commission nationale créée en 1882 justement pour veiller à la mise en sécurité du patrimoine monumental). Dans ce cas précis, la commission se vit confier la tâche d’identifier, de cartographier et d’inventorier tous les édifices qu’il était nécessaire de sauver de la ruine et de l’oubli, en mettant en œuvre des actions concrètes pour leur conservation et leur sauvegarde. Dans le cadre de l’activité de recensement, une attention particulière fut accordée à la sculpture funéraire monumentale présente à l’intérieur des édifices religieux.

Parallèlement à la reconnaissance de la valeur historique et artistique des sarcophage monumentaux, et après constatation de l’état de dégradation de beaucoup d’entre eux, on décida dans certains cas d’intervenir pour prévenir leur perte, y compris sur sollicitation de l’opinion publique. Les interventions de restauration réalisées sur deux monuments funéraires de la première moitié du XIVe siècle sont emblématiques de cette situation : la tombe du roi Denis de Portugal (1319-1324), placée dans la chapelle de l’Evangile dans l’église de Saint-Denis à Odivelas (Lisbonne), et la tombe de la reine Isabelle d’Aragon (1326-1327), conservée dans le chœur bas de l’église du monastère de Santa Clara-a-Nova à Coimbra. Les histoires distinctes de la conservation des deux sépulcres royaux, ainsi que les vicissitudes qui conduisirent à leur restauration et les différentes modalités d’intervention, ont une valeur exemplaire pour les différentes raisons qui motivèrent leur partielle récupération, et surtout pour les procédés adoptés entre la fin du XIXe siècle et les premières décennies du XXe siècle, à une époque où la réflexion sur la théorie et la pratique de la restauration faisait ses premiers pas au Portugal.

Tombe du roi Denis du Portugal. Odivelas, église Saint-Denis, chapelle de l’Evangile. Détail du gisant.
Tombe de la reine Isabelle d’Aragon. Coimbra, église de la Rainha Santa Isabel, choeur bas. Détail du gisant.

Bibliographie

“Extinção das ordens religiosas”. in Dicionário de História religiosa de Portugal. Dir. Carlos Moreira de Azevedo. Rio do Mouro: Círculo de Leitores, 2000, vol. II, pp. 232-235.

MARTINS, Ana Cristina – Possidónio da Silva e o Elógio da Memória. Um percurso na Arqueologia de Oitocentos. Lisboa: Associação dos Arqueólogos Portugueses, 2002.

MARTINS, João Paulo Castro – Museu Nacional de Belas Artes (1884-1911). A “arqueologia” de um museu e a gestão das coleções. Coimbra: Universidade de Coimbra, 2017. Tesi di Dottoraato

Relatório e Mapas. Acerca dos edifícios que devem ser classificados Monumentos Nacionaes apresentados ao Governo pela Real Associação dos Architectos e Arqueólogos Portugueses em conformidade da portaria do Ministério das Obras Públicas de 24 de Outubro de 1860. Lisboa: Vallemant Fréres Typ, 1881.

RODRIGUES, Rute Andreia Massano – Entre a salvaguarda e a destruição: a extinção das ordens religiosas em Portugal e as suas consequências para o património artístico dos conventos (1834-1868). Lisboa: Universidade de Lisboa, 2017. Tesi di Dottorato.

ROSSI VAIRO, Giulia – “Ad futuram Regis memoriam. A história conservativa do túmulo do rei D. Dinis: mitos e realidades”. Conservar Património. Revista da ARP – Associação Profissional de Conservadores – Restauradores de Portugal, 35 (2020), pp. 131-140.

SERRÃO, Vitor – “«Renovar», «repintar», «retocar»: estratégias do pintor-restaurador em Portugal, do século XVI ao XIX. Razões ideológicas do iconoclasma destruidor e da iconofilia conservadora, ou o conceito de «restauro utilitarista» versus «restauro científico»”. Conservar Património. Revista da ARP – Associação Profissional de Conservadores – Restauradores de Portugal, 3-4 (2006), pp. 53-71.

Entre destruction, restitution et invention : les acteurs du patrimoine face à la polychromie médiévale des albâtres anglais

Markus Schlicht (CNRS, Ausonius)

A la fin du Moyen Âge, les sculpteurs anglais taillèrent des milliers de reliefs représentant des scènes religieuses, comme la Passion du Christ ou les Joies de la Vierge. Ils étaient généralement assemblés en retables, puis expédiés dans toute l’Europe catholique. En dépit des pertes massives subies au cours de l’histoire, notamment en Angleterre où presque toutes les images religieuses ont été détruites lors de l’introduction de la Réforme anglicane, il subsiste encore plus de 2500 panneaux d’albâtre.

Les reliefs anglais médiévaux ont été systématiquement peints. Volume et couleur forment une entité indissociable. Alors même que l’Occident dépréciait depuis longtemps la sculpture peinte, considérée comme un « mélange contre nature », comment les acteurs du patrimoine ont-ils répondu à la nécessité de restaurer ces œuvres et leur épiderme coloré ?

Si les albâtres anglais ne font certes pas partie du champ de l’architecture monumentale, ils permettent néanmoins d’éclairer le sujet du colloque. Etant donné leur exportation fréquente et parfois lointaine, ces œuvres invitent à comparer les prises de position des érudits et des pratiques de restauration entre divers pays. Par ailleurs, la fragilité de la polychromie nécessitait des interventions fréquentes ; il est donc possible d’observer l’évolution de ces attitudes et pratiques dans la longue durée.

Les études scientifiques consacrées aux albâtres anglais ne recensent guère de textes qui permettraient de rendre compte, de manière directe, de l’attitude des érudits ou des praticiens de la restauration ; beaucoup reste donc à découvrir dans ce domaine. L’évidence des œuvres – en tant que conséquence de l’intervention de ces acteurs –, permet néanmoins d’étudier le sujet. Une particularité de la polychromie des albâtres anglais facilite cette tâche : le parti pris esthétique est à la fois très particulier et fortement standardisée ; cet univers coloré spécifique et facilement reconnaissable permet de trancher aisément si la polychromie est celle d’origine, ou s’il s’agit d’un repeint.

Avant l’entrée en vigueur de la déontologie en matière de restauration qu’instaure la charte de Venise dans les années 1960, deux options fondamentales s’offraient au « restaurateur » : éliminer complètement les restes de polychromie, ou renouveler la peinture. Les deux pratiques ont longtemps coexisté.

Quant à la première de ces options, le décapage, elle a été très fréquemment retenue. Il s’agit d’une pratique fort ancienne, qui remonte parfois au XVIIe siècle, voire plus haut encore. L’élimination méticuleuse de toute trace de peinture témoigne de la méconnaissance des fonctions de la polychromie et de la nature composite de ces « peintures tridimensionnelles ». En même temps, il s’agit d’un moyen simple et efficace de les mettre au goût du jour. L’albâtre anglais, en effet, est d’une blancheur immaculée, légèrement translucide et régulièrement poli. Son aspect visuel est ainsi très proche de celui du marbre blanc, au point que les deux matériaux ont été fréquemment confondus. En les privant de leur peinture, les albâtres anglais furent donc adaptés aux codes esthétiques de la sculpture moderne et de sa blancheur cristalline.

Albâtre anglais privé de sa polychromie médiévale : Bordeaux, Saint-Seurin, intronisation de saint Seurin, fin du XIVe siècle. Cl. Jean-Pierre Brouard

La deuxième option fondamentale consiste à renouveler la polychromie. Se posait alors la question du respect ou non des partis pris esthétiques médiévaux.

D’après les résultats d’un premier survol de la centaine de retables encore conservés, on aurait tendance à conclure qu’il existe des traditions différentes entre les pays européens. En schématisant, on pourrait dire que les pays nordiques paraissent par tendance soucieux de reproduire les schémas décoratifs médiévaux, et ils se dotent apparemment assez précocement de moyens pour restaurer et restituer fidèlement la polychromie ancienne des albâtres. Dans les pays méridionaux – notamment en Espagne –, en revanche, on hésite beaucoup moins à prendre des libertés avec la polychromie médiévale, sans doute afin d’adapter les œuvres au goût du jour. Peut-on en conclure que dans ces pays, restés catholiques, les albâtres anglais étaient plus étroitement associés aux pratiques dévotionnelles des fidèles que cela ne fut le cas des pays nordiques, le plus souvent devenus protestants ?

Albâtre anglais polychrome : Ávila, musée de la cathédrale, Trône de grâce, première moitié du XVe siècle. Cl. José Luis Filpo Cabana / Wikimedia

En portant le regard sur la France – le pays qui conserve le plus d’albâtres anglais -, la situation apparaît très diversifiée. Les décapages, fréquents, voisinent avec des repeints le plus souvent très libres. La restauration du retable de Nouâtre en Touraine apparaît comme un cas exceptionnel compte tenu de sa date précoce. Dès les années 1870, les panneaux de la Passion sont en effet entièrement repeints avec le but explicite de reproduire la polychromie médiévale. Même si le donneur d’ordre de la restauration – il deviendra quelques années plus tard président de la Société française d’Archéologie – n’est pas entièrement satisfait du résultat, il défend publiquement ce parti pris de restauration.

Pourquoi cette restauration, qui peut apparaître comme exemplaire à nos yeux, n’a-t-elle pas fait des émules ? En l’état actuel de nos connaissances, il est difficile d’y répondre. On pourrait imaginer que le nationalisme et les rivalités entre pays européens aux XIXe et XXe siècles ont pu jouer un rôle. Lors de la restauration de Nouâtre dans les années 1870, en effet, on pensait que le retable était une œuvre française. Ce n’est que dans les années 1890 que l’origine anglaise des panneaux d’albâtre a été découvert. A partir de ce moment, l’appréciation de ces œuvres en France se dégrada nettement. La découverte progressive de la grande homogénéité stylistique et des thèmes iconographiques standardisées de ces panneaux conduisirent à les considérer désormais comme des produits « industriels » plutôt qu’artistiques. Leur polychromie fut qualifiée de « vulgaire » ou de « criarde ». Jusque dans les années 1980 encore, la coloration médiévale des albâtres fut soupçonnée d’avoir pour fonction de masquer les faiblesses techniques des sculpteurs ou les défauts du matériau. Les historiens de l’art délaissèrent le sujet des albâtres anglais, ce qui a pu cautionner un désintérêt certain de la part des organismes en charge de la conservation de ces œuvres ; de nombreux vols d’albâtres anglais commis dans les années 1970 et 1980 constituent un indice parlant pour cette indifférence relative.

Albâtre anglais repeint (fin XIXe/ début XXe siècle ?) : Saint-Caprais de Bordeaux, Annonciation. Cl. Markus Schlicht

En guise de conclusion.
L’état de nous connaissances sur les polychromies médiévales en général et sur celles des albâtres anglais en particulier est encore très rudimentaire. Des études plus poussées pourraient nous apporter des renseignements multiples intéressant de domaines très divers. On pensera en particulier aux trois aspects suivants :  
1- Les décapages tout comme les différents repeints fournissent des indications précieuses quant à l’évolution du goût artistique, mais aussi quant à l’éloignement progressif des modes de pensée de cet univers symbolique médiéval que transcrit la polychromie.
2- Les tentatives de retrouver l’aspect médiéval des panneaux (y compris par l’élimination des repeints), menées avec des méthodes de plus en plus perfectionnées, illustrent la patrimonialisation progressive des albâtres, dorénavant considérés comme des témoins de l’histoire à qui l’on s’efforce de rendre leur « authenticité ».
3- Enfin, l’historiographie des albâtres et de leur polychromie éclaire particulièrement bien l’impact du discours de l’historien de l’art sur le statut de l’œuvre d’art. A ce propos, il serait important de mieux démêler les fils de cette historiographie afin d’élucider plus précisément le processus par lequel l’appréciation forte de ces œuvres au Moyen Âge – dont témoigne leur succès commercial paneuropéen – s’est mué en une dépréciation non moins marquée qui caractérise les études consacrées aux albâtres anglais tout au long du XXe siècle.

La restauration de l’ancienne chapelle des Jacobins de Clermont dans les années (1859-1861)

Haude Morvan (Bordeaux Montaigne, Ausonius), Aurélie Mounier (IRAMAT-CRP2A), Maud Mulliez (Ausonius)

L’engouement pour l’architecture gothique naît au XIXe siècle dans un contexte de restauration de l’Église et des ordres religieux. Les ordres de fondation ancienne bien sûr, mais également certains ordres fondés après le Concile de Trente réinvestissent des églises médiévales ou en font construire de nouvelles en style néo-gothique ou néo-byzantin, pour augmenter leur légitimité à travers l’aura d’ancienneté de l’architecture médiévale. Ce processus d’appropriation de l’architecture médiévale – surtout gothique –par des communautés de fondation moderne, avec ses enjeux esthétiques et religieux, est ici mis en lumière par une étude de cas : l’achat en 1824 et la restauration entre 1859 et 1861 de l’ancienne église des Dominicains de Clermont par une communauté de sœurs de la Visitation (un ordre fondé au XVIIe siècle).

La restauration de l’église gothique voulue par les sœurs a surtout consisté à faire repeindre l’ensemble des surfaces intérieures de l’édifice, y compris les deux enfeux de cardinaux situés dans la deuxième travée orientale, ainsi qu’à faire réaliser des vitraux. Selon une lettre circulaire du 7 avril 1863 de la prieure sœur Marguerite-Euphrasie Bacquelin, il s’agissait « de rendre à son état primitif » l’église, car « le cachet d’authenticité qui rendait ce petit sanctuaire remarquable s’effaç[ait] de jour en jour ».

Un « artiste distingué » (toujours selon la lettre circulaire de 1863) intervint gratuitement à titre de bienfaiteur de la communauté : Émile Thibaud, un maître-verrier actif dans la restauration et l’étude du patrimoine médiéval en Auvergne. Si la personnalité d’Émile Thibaud est relativement bien connue et a fait l’objet de plusieurs études, un autre acteur du chantier était jusque là resté dans l’ombre : il s’agit de l’atelier de peintres-plâtriers « Belli et fils », dirigé par Maurizio Belli (1816-1873). L’étude de cet atelier permet de mieux contextualiser la restauration de la chapelle de la Visitation. Maurizio Belli est originaire de Valsesia, une vallée du Piémont réputée dès l’époque moderne pour son artisanat d’art. Arrivé à Clermont dans les années 1830 avec son père, Maurizio Belli est actif sur plusieurs chantiers de la région clermontoise entre 1859 et 1873. Sur les murs, les piliers et les voûtes d’églises romanes, gothiques ou modernes, il déploie un répertoire bien reconnaissable de motifs ornementaux. Si, dans le détail, ces motifs ne montrent pas une volonté de reconstitution philologique d’un décor gothique, ils traduisent ce que l’on considérait alors être l’esprit des peintures murales médiévales : un décor qui souligne les articulations de l’architecture et fait corps avec elle.

Clermont, église de la Visitation, contrefaçade

Montfaucon antiquaire: séminaire du 27 mai 2021

Depuis le colloque de Carcassonne consacré à Montfaucon en 1996, sous la direction de Daniel-Odon Hurel et Raymond Rogé, l’étude des érudits de l’époque moderne, et en particulier des Mauristes, a connu un profond renouvellement. Les spécialistes de philologie et d’histoire des bibliothèques ont récemment reconsidéré à nouveaux frais le travail de Dom Bernard de Montfaucon : une journée d’études sur la Bibliotheca bibliothecarum manuscriptorum nova a ainsi été organisée en 2016 par l’IRHT et la BnF (dir. Jérémy Delmulle).

Force est de constater que le travail d’antiquaire de Montfaucon reste encore à approfondir. Si les Monuments de la monarchie française sont une source bien connue des historiens de l’art médiéval pour documenter des monuments perdus ou mutilés à la Révolution, à l’instar du Monasticon gallicanum de Dom Germain, il manque une étude critique sur cet ouvrage. La place et la singularité des antiquaires ecclésiastiques au sein des réseaux de la République des Lettres en Europe est également une thématique encore à explorer.

Ce séminaire sera l’occasion de discuter autour de recherches en cours sur la figure de ce mauriste, et surtout sur son travail d’antiquaire. Nous nous pencherons sur l’Antiquité expliquée et représentée en figures et sur les Monuments de la monarchie française pour approfondir le projet intellectuel de Montfaucon, sa stratégie éditoriale, son réseau ou encore les conditions de réalisation des planches qui illustrent ces deux ouvrages. Il s’agira, plus largement, d’interroger la place des édifices et des objets anciens, par rapport aux sources écrites, dans le regard porté par cet érudit sur le passé.